Portrait abstrait dans Photoshop. Portrait abstrait à partir de points dans Photoshop
Art abstrait (lat. abstraction– éloignement, distraction) ou art non figuratif- une direction artistique qui a abandonné la représentation de formes proches de la réalité dans la peinture et la sculpture. L'un des objectifs de l'art abstrait est de parvenir à une « harmonisation » en représentant certaines combinaisons de couleurs et formes géométriques, évoquant chez le spectateur un sentiment de complétude et d'exhaustivité de la composition. Personnalités marquantes : Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch, Natalia Goncharova et Mikhaïl Larionov, Piet Mondrian.
Histoire
Abstractionnisme(l'art sous le signe des « formes zéro », art non objectif) est une direction artistique qui s'est formée dans l'art de la première moitié du XXe siècle, abandonnant complètement la reproduction des formes du monde réel visible. Les fondateurs de l'art abstrait sont considérés comme V. Kandinsky , P. Mondrian Et K. Malevitch.
V. Kandinsky a créé son propre type de peinture abstraite, libérant les taches impressionnistes et « sauvages » de tout signe d'objectivité. Piet Mondrian est parvenu à sa non-objectivité grâce à la stylisation géométrique de la nature initiée par Cézanne et les Cubistes. Les mouvements modernistes du XXe siècle, axés sur l'abstraction, s'écartent complètement des principes traditionnels, niant le réalisme, mais restant en même temps dans le cadre de l'art. L'histoire de l'art a connu une révolution avec l'avènement de l'art abstrait. Mais cette révolution n’est pas survenue par hasard, mais tout naturellement, et a été prédite par Platon ! Dans son dernier ouvrage Philebus, il écrit sur la beauté des lignes, des surfaces et des formes spatiales en elles-mêmes, indépendantes de toute imitation d'objets visibles, de toute mimésis. Ce type de beauté géométrique, contrairement à la beauté des formes naturelles « irrégulières », selon Platon, n'est pas relative, mais inconditionnelle, absolue.
20e siècle et temps modernes
Après la Première Guerre mondiale, 1914-18, les tendances de l'art abstrait se sont souvent manifestées dans des œuvres individuelles de représentants de Dada et du surréalisme ; Parallèlement, on souhaite trouver une application aux formes non figuratives dans l'architecture, les arts décoratifs et le design (expériences du groupe Style et du Bauhaus). Plusieurs groupes d'art abstrait (« Art concret », 1930 ; « Cercle et carré », 1930 ; « Abstraction et créativité », 1931), réunissant des artistes de nationalités et de mouvements divers, naissent au début des années 30, principalement en France. Cependant, l’art abstrait ne s’est pas répandu à cette époque, ni au milieu des années 30. les groupes se séparèrent. Pendant la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), une école d’expressionnisme dit abstrait est apparue aux États-Unis (peintres J. Pollock, M. Tobey etc.), qui s'est développé après la guerre dans de nombreux pays (sous le nom de tachisme ou « art sans forme ») et a proclamé comme méthode « le pur automatisme mental » et l'impulsivité subconsciente subjective de la créativité, le culte des combinaisons inattendues de couleurs et de textures.
Dans la seconde moitié des années 50, l'art d'installation et le pop art sont apparus aux États-Unis, qui ont glorifié un peu plus tard Andy Warhol avec sa circulation sans fin de portraits de Marilyn Monroe et de boîtes de nourriture pour chiens - l'abstractionnisme du collage. Dans les beaux-arts des années 60, la forme d’abstraction la moins agressive et statique, le minimalisme, est devenue populaire. Alors Barnett Newman, fondateur de l'art abstrait géométrique américain avec A. Liberman, A. Held Et K.Noland engagé avec succès dans le développement ultérieur des idées du néoplasticisme néerlandais et du suprématisme russe.
Un autre mouvement de la peinture américaine est appelé abstractionnisme « chromatique » ou « post-pictural ». Ses représentants s'inspirent dans une certaine mesure du fauvisme et du postimpressionnisme. Style rigide, contours résolument nets de l'œuvre E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella a peu à peu laissé la place à des peintures à caractère mélancolique et contemplatif. Dans les années 70 et 80, la peinture américaine revient à la figuration. De plus, une manifestation aussi extrême que le photoréalisme s'est répandue. La plupart des historiens de l'art s'accordent à dire que les années 70 sont le moment de vérité pour l'art américain, puisque durant cette période il s'est finalement libéré de l'influence européenne et est devenu purement américain. Pourtant, malgré le retour des formes et des genres traditionnels, du portrait à la peinture historique, l’abstractionnisme n’a pas disparu.
Les peintures et les œuvres d'art « non figuratives » ont été créées comme avant, puisque le retour au réalisme aux États-Unis a été surmonté non pas par l'abstraction en tant que telle, mais par sa canonisation, l'interdiction de l'art figuratif, qui s'identifiait principalement à notre réalisme socialiste. , et ne pouvait donc qu'être considérée comme odieuse dans une société « libre et démocratique », l'interdiction des genres « bas », des fonctions sociales de l'art. Dans le même temps, le style de la peinture abstraite acquiert une certaine douceur qui lui manquait auparavant - volumes épurés, contours flous, richesse des demi-teintes, palettes de couleurs subtiles ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).
Toutes ces tendances ont jeté les bases du développement de l’abstractionnisme moderne. Il ne peut y avoir rien de figé ni de définitif dans la créativité, car ce serait pour elle la mort. Mais quel que soit le chemin emprunté par l’abstraction, quelles que soient les transformations qu’il subit, son essence reste toujours inchangée. C'est que l'abstraction dans les beaux-arts est la manière la plus accessible et la plus noble de capturer l'existence personnelle, et sous la forme la plus adéquate - comme un fac-similé. En même temps, l’abstractionnisme est une réalisation directe de la liberté.
Instructions
Dans l'abstractionnisme, deux directions claires peuvent être distinguées : l'abstraction géométrique, basée principalement sur des configurations clairement définies (Malevich, Mondrian), et l'abstraction lyrique, dans laquelle la composition est organisée à partir de formes fluides (Kandinsky). Il existe également plusieurs autres grands mouvements indépendants dans l’art abstrait.
Cubisme
Un mouvement d'avant-garde dans les beaux-arts né au début du 20e siècle et caractérisé par l'utilisation de formes géométriques résolument conventionnelles, le désir de « diviser » des objets réels en primitives stéréométriques.
Régionalisme (Rayisme)
Un mouvement de l'art abstrait des années 1910, basé sur le déplacement du spectre lumineux et de la transmission de la lumière. L'idée de l'émergence de formes à partir de « l'intersection des rayons réfléchis de divers objets » est caractéristique, puisque ce qu'une personne perçoit réellement n'est pas l'objet lui-même, mais « la somme des rayons provenant de la source lumineuse et réfléchis par l’objet. »
Néoplasticisme
Désignation du mouvement d'art abstrait qui existait en 1917-1928. en Hollande et rassemble des artistes regroupés autour du magazine « De Stijl » (« Style »). Les formes rectangulaires claires de l'architecture et de la peinture abstraite sont caractéristiques de la disposition de grands plans rectangulaires, peints dans les couleurs primaires du spectre.
Orphisme
Direction de la peinture française des années 1910. Les artistes orphistes ont cherché à exprimer la dynamique du mouvement et la musicalité des rythmes à l'aide de « régularités » de l'interpénétration des couleurs primaires du spectre et de l'intersection mutuelle des surfaces courbes.
Suprématisme
Mouvement artistique d'avant-garde fondé dans les années 1910. Malevitch. Il s'exprimait dans des combinaisons de plans multicolores des formes géométriques les plus simples. La combinaison de formes géométriques multicolores forme des compositions suprématistes asymétriques équilibrées imprégnées de mouvement interne.
Tachisme
Un mouvement de l'art abstrait d'Europe occidentale des années 1950 et 1960, qui s'est répandu le plus aux États-Unis. C'est une peinture avec des taches qui ne recréent pas des images de la réalité, mais expriment l'activité inconsciente de l'artiste. Des traits, des lignes et des taches en tachisme sont appliqués sur la toile avec des mouvements rapides de la main sans plan pré-pensé.
Expressionnisme abstrait
Le mouvement des artistes peignant rapidement et sur de grandes toiles, utilisant des traits non géométriques, de gros pinceaux, faisant parfois couler de la peinture sur la toile pour révéler pleinement les émotions. La méthode de peinture expressive est ici souvent aussi importante que la peinture elle-même.
Abstractionisme à l'intérieur
Récemment, l'abstraction a commencé à passer des peintures d'artistes à l'intérieur confortable de la maison, en la mettant à jour avantageusement. Un style minimaliste utilisant des formes claires, parfois assez inhabituelles, rend la pièce insolite et intéressante. Mais il est très facile d’en faire trop avec la couleur. Considérez la combinaison de couleur orange dans ce style d’intérieur.
Le blanc dilue mieux l'orange riche et, pour ainsi dire, la refroidit. La couleur orange rend la pièce plus chaude, donc un peu ; ça ne fera pas de mal. L'accent doit être mis sur le mobilier ou sur son design, par exemple un couvre-lit orange. Dans ce cas, les murs blancs atténueront la luminosité de la couleur, mais laisseront la pièce colorée. Dans ce cas, des peintures de la même échelle constitueront un excellent ajout - l'essentiel est de ne pas en faire trop, sinon il y aura des problèmes de sommeil.
La combinaison des couleurs orange et bleue est préjudiciable à n'importe quelle pièce, sauf s'il s'agit d'une chambre d'enfant. Si vous choisissez des teintes peu brillantes, elles s'harmoniseront bien les unes avec les autres, ajouteront de l'ambiance et n'auront pas d'effet néfaste même sur les enfants hyperactifs.
L'orange se marie bien avec le vert, créant l'effet d'un mandarinier et d'une teinte chocolatée. Le marron est une couleur qui va du chaud au froid, il normalise donc idéalement la température globale de la pièce. De plus, cette combinaison de couleurs convient à la cuisine et au salon, où il faut créer une ambiance sans surcharger l’intérieur. Après avoir décoré les murs dans des couleurs blanc et chocolat, vous pouvez poser en toute sécurité une chaise orange ou accrocher un tableau lumineux avec une riche couleur mandarine. Pendant que vous êtes dans une telle pièce, vous serez de bonne humeur et voudrez faire autant de choses que possible.
Peintures d'artistes abstraits célèbres
Kandinsky fut l'un des pionniers de l'art abstrait. Il a commencé ses recherches dans l'impressionnisme et n'est ensuite arrivé qu'au style de l'abstractionnisme. Dans son travail, il exploite la relation entre la couleur et la forme pour créer une expérience esthétique qui englobe à la fois la vision et les émotions du spectateur. Il croyait que l’abstraction complète offrait la possibilité d’une expression profonde et transcendante, et que copier la réalité ne faisait qu’interférer avec ce processus.
La peinture était profondément spirituelle pour Kandinsky. Il cherchait à transmettre la profondeur de l'émotion humaine à travers un langage visuel universel de formes et de couleurs abstraites qui transcenderaient les frontières physiques et culturelles. Il a vu abstractionnisme comme un mode visuel idéal qui peut exprimer la « nécessité intérieure » de l'artiste et transmettre des idées et des émotions humaines. Il se considérait comme un prophète dont la mission était de partager ces idéaux avec le monde pour le bénéfice de la société.
Cachés dans des couleurs vives et des lignes noires claires, ils représentent plusieurs cosaques avec des lances, ainsi que des bateaux, des personnages et un château au sommet d'une colline. Comme beaucoup de tableaux de cette période, il imagine une bataille apocalyptique qui mènera à la paix éternelle.
Pour faciliter le développement d'un style de peinture non objectif, comme le décrit son ouvrage Sur le spirituel dans l'art (1912), Kandinsky réduit les objets à des symboles pictographiques. En supprimant la plupart des références au monde extérieur, Kandinsky exprime sa vision d'une manière plus universelle, traduisant l'essence spirituelle du sujet à travers toutes ces formes dans un langage visuel. Beaucoup de ces figures symboliques ont été répétées et affinées dans ses œuvres ultérieures, devenant encore plus abstraites.
Kazimir Malevitch
Les idées de Malevitch sur la forme et le sens de l'art conduisent d'une manière ou d'une autre à se concentrer sur la théorie du style de l'art abstrait. Malevitch a travaillé avec différents styles de peinture, mais il s'est surtout concentré sur l'étude des formes géométriques pures (carrés, triangles, cercles) et de leurs relations les unes avec les autres dans l'espace pictural. Grâce à ses contacts en Occident, Malévitch a pu transmettre ses idées sur la peinture à des amis artistes en Europe et aux États-Unis, et ainsi influencer profondément l'évolution de l'art moderne.
"Carré Noir" (1915)
Le tableau emblématique « Le Carré Noir » a été montré pour la première fois par Malevitch lors d'une exposition à Petrograd en 1915. Cette œuvre incarne les principes théoriques du suprématisme développés par Malevitch dans son essai « Du cubisme et du futurisme au suprématisme : le nouveau réalisme dans la peinture ».
Sur la toile devant le spectateur se trouve une forme abstraite sous la forme d'un carré noir dessiné sur fond blanc - c'est le seul élément de la composition. Bien que la peinture semble simple, certains éléments tels que des empreintes digitales et des coups de pinceau sont visibles à travers les couches noires de peinture.
Pour Malevitch, le carré signifie les sentiments et le blanc le vide, le néant. Il voyait le carré noir comme une présence divine, une icône, comme s'il pouvait devenir une nouvelle image sacrée pour l'art non figuratif. Même lors de l'exposition, ce tableau a été placé à l'endroit où une icône est habituellement placée dans une maison russe.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, l'un des fondateurs du mouvement néerlandais De Stijl, est reconnu pour la pureté de ses abstractions et sa pratique méthodique. Il a simplifié assez radicalement les éléments de ses peintures afin de représenter ce qu'il a vu non pas directement, mais de manière figurative, et de créer un langage esthétique clair et universel dans ses toiles. Dans ses tableaux les plus célèbres des années 1920, Mondrian réduit ses formes à des lignes et des rectangles et sa palette au plus simple. L'utilisation de l'équilibre asymétrique est devenue fondamentale dans le développement de l'art moderne, et ses œuvres abstraites emblématiques restent influentes dans le design et sont familières à la culture populaire d'aujourd'hui.
"The Grey Tree" est un exemple de la transition précoce de Mondrian vers le style abstractionnisme. Le bois tridimensionnel est réduit aux lignes et aux plans les plus simples, en utilisant uniquement des gris et des noirs.
Ce tableau fait partie d'une série d'œuvres de Mondrian créées avec une approche plus réaliste, où, par exemple, les arbres sont représentés de manière naturaliste. Alors que les œuvres ultérieures deviennent de plus en plus abstraites, par exemple, les lignes d'un arbre sont réduites jusqu'à ce que la forme de l'arbre soit à peine perceptible et secondaire par rapport à la composition globale des lignes verticales et horizontales. On voit encore ici l'intérêt de Mondrian à abandonner l'organisation structurée des lignes. Cette étape fut importante pour le développement de l'abstraction pure par Mondrian.
Robert Delaunay
Delaunay fut l'un des premiers artistes du style de l'art abstrait. Son travail a influencé le développement de cette direction, basée sur la tension compositionnelle provoquée par l'opposition des couleurs. Il tombe rapidement sous l'influence coloristique néo-impressionniste et suit de très près la palette de couleurs des œuvres de style abstrait. Il considérait la couleur et la lumière comme les principaux outils avec lesquels on peut influencer la réalité du monde.
En 1910, Delaunay apporte sa propre contribution au cubisme sous la forme de deux séries de peintures représentant des cathédrales et la Tour Eiffel, combinant formes cubiques, mouvements dynamiques et couleurs vives. Cette nouvelle façon d’utiliser l’harmonie des couleurs a permis de distinguer le style du cubisme orthodoxe, devenu connu sous le nom d’orphisme, et a immédiatement influencé les artistes européens. L'épouse de Delaunay, l'artiste Sonia Turk-Delone, a continué à peindre dans le même style.
L'œuvre principale de Delaunay est consacrée à la Tour Eiffel, célèbre symbole de la France. C'est l'un des plus impressionnants d'une série de onze tableaux consacrés à la Tour Eiffel entre 1909 et 1911. Elle est peinte en rouge vif, ce qui la distingue immédiatement de la grisaille de la ville environnante. La taille impressionnante de la toile rehausse encore la grandeur de ce bâtiment. Tel un fantôme, la tour s’élève au-dessus des maisons environnantes, ébranlant métaphoriquement les fondations mêmes de l’ordre ancien. La peinture de Delaunay transmet ce sentiment d'optimisme sans limite, d'innocence et de fraîcheur d'une époque qui n'a pas encore connu deux guerres mondiales.
Frantisek Kupka
Frantisek Kupka est un artiste tchécoslovaque qui peint dans le style abstractionnisme, diplômé de l'Académie des Arts de Prague. En tant qu'étudiant, il peint principalement sur des thèmes patriotiques et écrit des compositions historiques. Ses premières œuvres étaient plus académiques, mais son style a évolué au fil des années pour finalement s'orienter vers l'art abstrait. Écrites de manière très réaliste, même ses premières œuvres contenaient des thèmes et des symboles mystiques surréalistes, qui se sont poursuivis lors de l'écriture d'abstractions. Kupka croyait que l'artiste et son œuvre participent à une activité créatrice continue, dont la nature n'est pas limitée, comme un absolu.
« Amorpha. Fugue en deux couleurs" (1907-1908)
À partir de 1907-1908, Kupka commence à peindre une série de portraits d'une jeune fille tenant un ballon à la main, comme si elle s'apprêtait à jouer ou à danser avec. Il en développe alors des images de plus en plus schématiques, et finit par recevoir une série de dessins complètement abstraits. Ils ont été réalisés dans une palette limitée de rouge, bleu, noir et blanc. En 1912, au Salon d'Automne, une de ces œuvres abstraites est exposée pour la première fois publiquement à Paris.
Artistes abstraits modernes
Depuis le début du XXe siècle, des artistes, dont Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevitch, Vassily Kandinsky, expérimentent les formes des objets et leur perception, et remettent également en question les canons existants de l'art. Nous avons préparé une sélection des artistes abstraits contemporains les plus célèbres qui ont décidé de repousser les limites de leurs connaissances et de créer leur propre réalité.
artiste allemand David Schnell(David Schnell) aime se promener dans des endroits autrefois remplis de nature, mais aujourd'hui encombrés de bâtiments humains - des terrains de jeux aux usines. Les souvenirs de ces promenades donnent naissance à ses paysages abstraits lumineux. Laissant libre cours à son imagination et à sa mémoire, plutôt qu'aux photographies et aux vidéos, David Schnell crée des peintures qui ressemblent à de la réalité virtuelle informatique ou à des illustrations de livres de science-fiction.
Lors de la création de ses peintures abstraites à grande échelle, l'artiste américaine Christine Boulanger(Kristin Baker) s'inspire de l'histoire de l'art et des courses de Nascar et de Formule 1. Elle donne d'abord une dimension à son travail en appliquant plusieurs couches de peinture acrylique et en recouvrant les silhouettes de ruban adhésif. Christine le décolle ensuite soigneusement, révélant les couches de peinture sous-jacentes et faisant ressembler la surface de ses peintures à un collage multicolore multicouche. Dès la toute dernière étape du travail, elle gratte toutes les irrégularités, donnant à ses peintures l'impression d'être une radiographie.
Dans ses œuvres, l'artiste d'origine grecque de Brooklyn, New York, Éléanna Anagnos(Eleanna Anagnos) explore des aspects de la vie quotidienne qui échappent souvent au regard des gens. Au cours de son « dialogue avec la toile », les concepts ordinaires acquièrent de nouvelles significations et facettes : l'espace négatif devient positif et les petites formes grossissent. En essayant de donner ainsi « vie à ses peintures », Eleanna tente d’éveiller l’esprit humain, qui a cessé de se poser des questions et d’être ouvert à quelque chose de nouveau.
Donnant naissance à des éclaboussures lumineuses et des taches de peinture sur la toile, l'artiste américaine Sarah Spitler(Sarah Spitler) s'efforce de refléter le chaos, le désastre, le déséquilibre et le désordre dans son travail. Elle est attirée par ces concepts car ils échappent au contrôle humain. Leur pouvoir destructeur rend donc les œuvres abstraites de Sarah Spitler puissantes, énergiques et passionnantes. En plus. l'image résultante sur toile composée d'encre, de peintures acryliques, de crayons graphite et d'émail souligne l'éphémère et la relativité de ce qui se passe autour.
Inspiré par l'architecture, l'artiste originaire de Vancouver, Canada, Jeff Dapner(Jeff Depner) crée des peintures abstraites multicouches composées de formes géométriques. Dans le « chaos » artistique qu’il crée, Jeff recherche l’harmonie dans la couleur, la forme et la composition. Chacun des éléments de ses peintures est connecté les uns aux autres et mène au suivant : « Mes œuvres explorent la structure compositionnelle [d'un tableau] à travers les relations de couleurs dans la palette choisie… ». Selon l’artiste, ses peintures sont des « signes abstraits » qui devraient emmener le spectateur à un nouveau niveau inconscient.
08.06.2016 28.01.2018
Dans ce tutoriel, nous allons créer un portrait abstrait d'une fille avec un effet de destruction.
Après avoir terminé la leçon, tu apprendras:
1. Travaillez avec des contours et un pinceau ;
2. Transformez un portrait à l'aide de calques de réglage et de filtres ;
3. Appliquez des textures et bien plus encore.
Ce didacticiel a été créé à l'aide de Photoshop CS, mais vous pouvez utiliser en toute sécurité n'importe quelle version plus récente. Soyez patient et prenez une tasse de café/thé et un cookie, commençons la magie !
Matériaux utilisés :
Étape 1
On commence bien sûr par ouvrir une photo de la jeune fille dans Photoshop. Afin de le séparer de l'arrière-plan, utilisez l'outil Baguette magique(W), pour de meilleurs résultats, réglez le paramètre Toléranceà 32.
Pour sélectionner un fond blanc, cliquez simplement dessus avec le bouton gauche de la souris.
Pour inverser la sélection et la laisser sur la fille, cliquez sur Changement+Ctrl+I, Pour dupliquer la fille, cliquez sur un nouveau calque Ctrl+J. Pour masquer le calque fille, cliquez sur l'icône « œil » dans le panneau des calques.
Étape 2
Nous allons changer le teint de la fille en utilisant des niveaux. Pour cela, rendez le calque 1 actif (avec la fille découpée), allez dans Calque - Nouveau calque de réglage de la luminosité/contraste. Définissez les options suivantes pour le calque de réglage Niveaux:
Ajout de nouveaux calques de réglage Courbes et correction sélective des couleurs:
En tenant compte des trois calques de réglage, nous devrions obtenir un résultat similaire à celui de la capture d'écran ci-dessous. Fusionner les calques de réglage avec le calque fille à l'aide d'un raccourci clavier Ctrl+E. Nommez ce calque et dites « fille ».
Étape 3
Commençons maintenant à créer la toile principale du tableau que nous sommes sur le point de créer. Cliquez Ctrl+N pour créer un nouveau document. Définissez la taille du canevas comme ci-dessous :
Ensuite, transférez l'image de la fille dans le document principal et convertissez-la en objet intelligent en allant sur Couche -objets intelligents - convertir en objet intelligent. Prenez l'outil GratuitTransformer (Ctrl + T) et réduisez la taille de l’image pour l’adapter à la taille de la nouvelle toile. Voici la position et la taille approximatives de la fille :
Étape 4
Dans cette étape, nous allons créer une texture qui sera visible sur le visage de la fille. Nous allons simplement créer beaucoup de lignes pointillées comme texture. Pour créer les lignes que nous utiliserons StyloOutil (P) créer des contours et les tracer brosse (B). Commençons par configurer les coups de pinceau. Prenez l'outil pinceau (B), sélectionnez une brosse ronde et dure. Placez la pointe du pinceau dans Jeux de pinceaux (F5) comme ci-dessous :
Créer un nouveau calque (Maj + Ctrl + N). Prenez l'outil Plume (P) et créez un contour de forme libre. Vous trouverez ci-dessous des exemples du plan :
Créez un nouveau calque, cliquez avec le bouton droit et sélectionnez tracer le contour, Sélectionnez l'outil Trait dans le menu déroulant brosse, couleur noir :
Dupliquez le calque autant que nécessaire pour créer des lignes pointillées aléatoires enchevêtrées. Modifiez la taille des lignes pointillées pour créer la texture souhaitée. Sélectionnez tous les calques dupliqués et fusionnez-les ( Ctrl+E) dans une nouvelle couche unique. Nommez ce calque, disons texture. Voici un exemple de texture :
Voici à quoi ressemble la texture si vous la placez dans la palette Calques au-dessus du calque fille :
Étape 5
Avant de créer l'effet de dégradation, nous allons créer un nouveau calque. (Maj + Ctrl + N) Ci-dessous, une fille et un calque de texture. Édition-remplissage (Maj + F5)— Remplissez ce nouveau calque de noir. Nommez ce calque, disons, noir. Alors va à Filtre>Bruit>Ajouter du bruit pour donner du bruit à cette couche.
Résultat pour le moment, la texture est toujours au dessus du calque avec la fille :
Étape 6
Nous pouvons maintenant simplement créer un effet de dégradation sur la fille en plaçant le calque de fille au-dessus du calque de texture dans la palette Calques. Avec le calque fille au-dessus du calque de texture, créez coupuremasque (Ctrl + Alt + G)- cela vous permettra de couper l'excédent du calque avec la fille et de montrer uniquement les contours de la texture. Compte tenu de la texture, le résultat devrait ressembler à ceci :
Étape 7
Nous allons maintenant ajouter de la couleur à la fille. Créer un nouveau calque (Maj + Ctrl + N) , N'oubliez pas de cocher la case à côté pour créer un masque d'écrêtage. Définissez ce calque sur Chroma.
Faites un tour très doux pinceau (B) avec 0% de dureté et environ 10-15% d'opacité. Sur ce calque, effectuez des traits doux autour des yeux et du cou du modèle. La couleur utilisée ci-dessous est le bleu et le calque est défini en mode de fusion normal avec une opacité de 100 %.
Nous pouvons dupliquer ce calque avec les traits de couleur et jouer avec l'opacité pour obtenir le résultat souhaité. Voici le résultat :
Étape 8
Nous devons donner à nos lèvres une teinte rougeâtre. Pour ce faire, créez un nouveau calque avec un masque d'écrêtage au-dessus des calques de couleur. Réglez ce nouveau calque en mode de fusion CouleurEsquiver (Base éclaircissante). Peignez vos lèvres en orange.
Étape 9
Pour flouter la fille, appliquez un filtre Flou gaussien (Filtre – Flou – Flou gaussien)
Sélectionnez la vignette du masque de filtre et le soft noir brosse masquez l'effet de flou sur les zones autour du visage et du corps, les zones de masquage sont marquées en rouge sur la capture d'écran :
Sélectionnez tous les calques avec la fille et cliquez sur Ctrl+G pour les regrouper dans un dossier. Nommez ce dossier "fille"
Étape 10
Pour améliorer l'effet de dégradation, créez un nouveau calque sous le groupe avec la fille. Outil PlumeStyloOutil dessinez les contours et configurez le pinceau comme à l’étape 4.
Sur un nouveau calque, tracez les contours avec la couleur #0afbfe. Réduisez l'opacité des lignes si elles sont trop lumineuses.
Étape 11
Sur un nouveau calque vide, créez de nouveaux chemins comme dans l'exemple ci-dessous :
Tracez à nouveau les contours, pour changer, vous pouvez activer la fonction imiterSimulez la pression.
Voici le résultat avec la couleur rouge :
Étape 12
Si vous le souhaitez, vous pouvez ajouter des lignes pointillées supplémentaires autour des yeux du modèle en utilisant les méthodes décrites ci-dessus :
Étape 13
Dans cette étape, nous ajouterons un surlignage autour de la fille afin que les contours soient clairement visibles. Créer un nouveau calque (Maj + Ctrl + N) au-dessus de toutes les autres couches. Remplir ( Changement+ F5) ce calque est noir. Réglez-le en mode fusion Couleur Esquive (Éclaircir la base) et appelez-le « faits saillants ». Prenez un pinceau rond très doux d'une opacité d'environ 4-5% . Sur ce calque, peignez une lueur avec un pinceau blanc doux autour de l'épaule, du cou et d'autres parties de la fille.
Résultat en mode de fusion normal :
Et en mode CouleurEsquive (Éclaircissement de Base) :
Étape 14
Afin de rendre l’image encore plus lumineuse, nous pouvons augmenter la luminosité. Créez un nouveau calque au-dessus de tous ceux créés précédemment, remplissez-le de noir et définissez le mode de fusion CouleurDodge (éclaircissement de fond). Nommez ce calque « clair » et ajoutez des taches jaunes et blanches sur le corps et autour de la tête en utilisant la même méthode qu'à l'étape 13 :
Étape 15
Pour la teinte finale du tableau, nous créons plusieurs calques de réglage.
Couleur (Couche -Couleur)
Définir le mode de fusion Exception et réduisez l'opacité à 47-50%:
Filtre photo
Opacité du calque - 60 % :
Enfin, créez une copie de tous les calques visibles à l'aide du raccourci clavier Maj + Ctrl + Alt + A et ajoutez de la clarté à l'image à l'aide du filtre de contraste de couleur ( filtre > autres > passe-haut), mode de fusion des calques - Superposition ( Recouvrir), opacité - 100% .
Dans ce didacticiel Photoshop, vous apprendrez à créer votre propre portrait abstrait unique dans un style spatial. Les techniques utilisées dans notre leçon sont applicables à toute photographie de portrait et ouvrent de larges possibilités à votre imagination. Commençons !
Aperçu de l'image finale :
Étape 1.
Créer un nouveau document dans Photoshop (Ctrl+N) taille 800X800px. Nous y insérons l'image de la nébuleuse du matériel de cours (Ctrl+A (souligner), Ctrl+C (copie), Ctrl+V (insérer)) .
Étape 2.
Les étoiles semblent assez floues, alors accentuons-les à l'aide du filtre Masque flou. (Filtre> Netteté> Masque flou). Nous effectuons les réglages à partir de la capture d'écran ci-dessous : Quantité (Montant) 70%, rayon (Rayon) 1,5 pixels, Isohélie (Seuil) 0 niveaux.
Étape 3.
Nous voulons ajouter un peu de lumière à notre arrière-plan. Créer un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) et appelez-le « Central Light ». Sélection de l'outil Dégradé (Pente) avec une couleur de style radial allant du blanc au transparent (blanc à transparent) et étirez-la du centre de la toile jusqu'à son bord.
(Recouvrir).
Créez maintenant un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) appelé « Rehauts blancs » et, en répétant le processus d'éclaircissement précédent, créez plusieurs petits dégradés radiaux de couleur allant du blanc au transparent. Superposition du mode de fusion (Recouvrir).
Créer un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) et appelez-le « Rainbow Flares ». Créez de petits dégradés radiaux du blanc au transparent, puis ouvrez les styles de calque (l'icône « fx » en bas de la palette des calques ou double-cliquez sur la vignette du calque) et ajoutez l'option "Superposition de dégradés" (Superposition de dégradé). Nous configurons l'option en sélectionnant un dégradé arc-en-ciel dans l'ensemble par défaut.
Changez le mode de fusion de ce calque en Superposition (Recouvrir).
Enfin, baissez l'opacité (Opacité) couche jusqu'à 5%, ce qui donne un effet de lumière subtil.
Étape 4.
Créer un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) appelé "Vignette". Utilisez une grande brosse douce (Brosse) noir avec opacité (Opacité) 60% sur les bords et coins de l'image.
Étape 5.
Découpez grossièrement le modèle de l'arrière-plan et collez-le dans notre document (Ctrl+C, Ctrl+V).
Ensuite, appliquez un calque de réglage « Niveaux » au calque de visage. (Couche-Nouveau calque de réglage-Niveaux ou cliquez sur l'icône de réglage noir et blanc en bas de la palette des calques). Effectuez les réglages à partir de la capture d'écran, puis ajoutez un masque d'écrêtage à ce calque (cliquez sur la vignette du calque et sélectionnez Créer un masque d'écrêtage).
Créez un autre calque de réglage "Balance des couleurs" (Couche-Nouveau calque de réglage-Balance des couleurs)également avec masque d'écrêtage (Masque d'écrêtage).
Créons un contour plus lisse autour du visage de la fille à l'aide de l'outil Plume (Outil Plume). Créer une sélection de contour (Ctrl+Entrée ou clic droit sur le contour et sélectionnez « Faire une sélection »), puis cliquez sur l'icône du masque de calque (Ajouter un masque de calque) au bas du panneau des calques pour éliminer l'excédent. Vous pouvez voir le contour du visage résultant dans le panneau Contours. (Chemins), qui se trouve à côté de la palette Calques.
Ensuite, téléchargez un ensemble de pinceaux abstraits à partir du matériel de cours et installez-les dans le programme via le menu Édition-Gérer les ensembles-Brushes. (Editer-Gestionnaire de préréglages-Brushes). Sélectionnez n'importe quel pinceau de l'ensemble, définissez leur couleur sur noir et, en activant le masque de calque avec le visage, créez plusieurs motifs sur le visage de la fille. Cette technique crée un effet intéressant de fragments du visage. Choisissez soigneusement le design de votre pinceau afin qu'il corresponde harmonieusement à l'image de l'héroïne. Vous pouvez modifier l'angle des pinceaux et leur position dans le panneau des paramètres (F5). Si soudainement vous n'aimez pas quelque chose, utilisez un pinceau blanc et peignez le défaut sur le masque.
Étape 6.
Chargez maintenant le jeu de splash à partir des ressources de la leçon et sélectionnez le splash rouge. Ouverture (Ctrl+O) dans le nouveau document.
Ensuite, nous isolons les éclaboussures du fond noir. Dupliquer ce calque (Ctrl+J) et masquer temporairement le doublon (cliquez sur l'œil miniature). Sur le calque d'origine, allez dans le menu Image-Ajustements-Niveaux (image>ajustements>niveaux) pour que les éclaboussures ressortent davantage sur l'arrière-plan.
Allez dans le menu Sélection-Gamme de Couleurs (sélectionner> gamme de couleurs) et avec la pipette la plus à gauche cliquez sur le fond noir de l'image.
Cliquez sur OK et nous sélectionnerons l'arrière-plan. Ensuite, inversez la sélection (Ctrl+Maj+I ou sélection>inverse) pour sélectionner uniquement le splash. La sélection étant active, allez dans le menu Sélection-Modification-Compresser (sélectionner>modifier>contrat) et définissez le rayon de compression sur 2 px (cela aide à éliminer les bords irréguliers). Nous ne supprimons pas encore la sélection.
Maintenant, activez la visibilité du splash en double (cliquez à nouveau sur l'œil) et activez ce calque. C'est exactement ce dont nous aurons besoin, puisque l'original est devenu trop contrasté et ne convient pas à notre composition, nous l'avons utilisé uniquement pour la mise en valeur. Copie (Ctrl+C) et coller (Ctrl+V) dupliquer les éclaboussures dans la composition.
Étape 7
Ajouter un masque à ce calque (cliquez sur l'icône de masque en bas du panneau des calques "Ajouter un masque de calque" ou Calque-Masque de calque-Révéler tout) et un pinceau noir doux (Brosse) taille moyenne avec 20 % d'opacité (Opacité) retirez le bord de la partie inférieure de l'éclaboussure afin qu'il y ait une transition douce et imperceptible vers le visage.
Appliquez plusieurs calques de réglage au calque de démarrage avec un masque d'écrêtage pour chacun (cliquez sur les vignettes de correction et sélectionnez Créer un masque d'écrêtage). Ajouter un calque de réglage Teinte/Saturation (Couche de réglage de teinte/saturation), en cliquant sur l'icône en forme de cercle noir et blanc en bas du panneau des calques. Nous effectuons les réglages à partir de la capture d'écran :
Et un calque de réglage « Color Balance » (Balance des couleurs):
En conséquence, nous obtenons ce qui suit :
Étape 8
Maintenant, nous sélectionnons quelques touches supplémentaires dans l'ensemble et les insérons dans notre travail. Répétez le processus avec la déformation et le masque en cachant les bords des éclaboussures sur le visage. Nous effectuons les réglages de correction à partir de l'étape 7.
Étape 9
Répétez maintenant les étapes 7 et 8 pour une autre touche, mais placez-la sur le côté droit du visage de la fille.
Créons l'illusion de profondeur dans l'image en utilisant une technique simple. Ajoutez un filtre Flou gaussien au calque avec le gros splash. (Filtre> Flou> Flou gaussien) avec un rayon de 2,8 px.
Étape 10
Dupliquer le splash (Ctrl+J)à droite et augmentez sa taille en utilisant Transform (Transformation sans édition ou Ctrl+T). Faites-le pivoter pour qu'il recouvre le coin inférieur gauche de l'image. Ajoutez encore plus de profondeur en appliquant un flou gaussien à ce calque. (Filtre> Flou> Flou gaussien) avec un rayon de 7 px.
Étape 11
Créer un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) et appelez-le « Détails de l'ombre ». Sélectionnez un pinceau doux noir (Brosse) 2 px et dessinez-le soigneusement le long des bords des coupes du visage, en imitant un certain volume dans les creux du motif. Pour cette procédure, nous agrandissons l'image (Ctrl+) pour voir clairement toutes les découpes.
Voici à quoi ressemblent les ombres de près :
J'ai réduit l'opacité (Opacité) jusqu'à 70 % pour rendre l'effet d'ombre plus subtil.
Étape 12
Créer un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) et appelez-le « Blik ». Remplir (Édition-Remplir ou Maj+F5) couche noire (#000000) et changez le mode de fusion de ce calque en Écran (Écran), cachant le fond noir. Cela nous permettra de travailler avec l'effet flash de manière non destructive.
Allez dans le menu Filtre-Rendu-Mise en évidence (filtre>rendu>objectif) et ajoutez un surlignage au-dessus de l’œil gauche du modèle. Réduire l'opacité (Opacité) cette couche jusqu'à 80%. Vous trouverez ci-dessous à quoi devrait ressembler le point culminant dans des conditions normales. (Normale) mode de fusion et mode écran (Écran).
Ajoutons maintenant un surbrillance sur le côté gauche de la composition, à côté de l'œil droit de la fille. Répétez le processus de création d'un surlignage comme à l'étape 12. (sur un calque séparé, bien sûr).
Étape 13
Créer un nouveau calque (Ctrl+Maj+N) et appelez-le « Colorisation du rétroéclairage ». Créez des dégradés radiaux vibrants (Dégradé radial) couleurs du néon au transparent. Essayez de choisir des nuances qui complètent l’image globale.
Changez maintenant le mode de fusion de ce calque en Superposition (Recouvrir) avec opacité (Opacité) 10%.
Étape 14
Créez un nouveau calque appelé "Dodge/Burn". Remplissez-le avec 50% de gris (Modifier-Remplir) et changez le mode de fusion en Superposition (Recouvrir). Cela vous permettra de mettre en valeur de manière non destructive les ombres et la lumière de la composition.
Sélectionnez une brosse douce (Brosse) couleur noire et améliorez les ombres en faisant glisser sur les zones sombres de l'image. Ensuite, prenez le pinceau (Brosse) blanc et mettez en valeur les zones claires. Utilisez cette étape non seulement pour améliorer les ombres et les reflets, mais également pour mieux mélanger les éléments visuels.
Voici à quoi ressemble un calque avec un mode de fusion normal et un mode de fusion Superposition. (Recouvrir).
Étape 15
Enfin, ajoutez un calque de réglage de carte de dégradé. (Couche-Nouveau calque de réglage-Carte de dégradé)à l'ensemble de la composition. Dans la boîte de dialogue Options, cliquez sur Éditeur de dégradés (échelle de couleurs) et définissez les couleurs du violet au vert (#9400e1 à #00601b). Réduire l'opacité (Opacité) de cette couche jusqu'à 7%, ne laissant qu'une teinte subtile.
Et nous l'avons fait ! Félicitations!
J'espère que votre travail a été couronné de succès et que vous êtes satisfait du résultat. J'attends avec impatience vos commentaires et le travail terminé. Bonne chance!
La double exposition est un effet sympa qui existe depuis longtemps. Lors de la prise de vue avec un appareil photo argentique, cet effet a été créé en développant le négatif deux fois dans des scènes différentes. Désormais, cet effet peut être facilement créé et décoré avec quelques techniques simples dans Photoshop. Je vais vous montrer comment procéder ci-dessous dans ce tutoriel simple.
Étape 1. Collecte de photos
Tout d’abord, nous avons besoin de bonnes photos pour créer notre effet de double exposition. Pour le portrait, j'ai choisi une image de deviantArt, par TwiggXStock, dont vous pouvez retrouver le lien dans l'archive de la leçon.
Pour l'image paysage, j'ai choisi une belle photo d'aurores boréales d'UnSplash.
Étape 2. Séparer le portrait de l'arrière-plan
Créez un nouveau document dans Photoshop. Mon document fait 1970 sur 2680 pixels. Collez les deux images sélectionnées dans le document sur des calques séparés. Pour l'instant, vous devez masquer le calque avec la photo de paysage. En utilisant la méthode de votre choix, séparez le portrait de l'arrière-plan. j'ai utilisé RapideMasqueMode (Q) (Mode Masque Rapide) pour « peindre » la zone de sélection. J'ai aussi transformé le portrait en noir et blanc en appuyant sur les touches Ctrl/ cmd + Changement + U.
Étape 3 : Créer un effet de double exposition
Passer au panneau Canaux(Chaînes), puis appuyez sur Changement et cliquez sur la chaîne RVB. Cela sélectionnera la zone avec le portrait.
Revenez au panneau des calques et désactivez la visibilité du calque portrait. Sélectionnez maintenant la couche de paysage et restaurez sa visibilité. La zone portrait étant toujours sélectionnée, cliquez sur le bouton Masque(Ajouter un masque) en bas du panneau des calques.
Enfin, sélectionnez le masque dans le panneau des calques et cliquez sur Ctrl/ cmd+ je pour l'inverser.
Étape 4. Décorez l'effet
C'est ma partie préférée. Pour cette étape, j'ai utilisé un jeu de pinceaux gratuit de WeGraphics appelé Mixed Media. Vous pouvez trouver un lien vers celui-ci au début de la leçon.
Choisissez un pinceau dans cet ensemble. Assurez-vous que votre premier plan (couleur de base) est défini sur blanc. Commencez à cliquer sur le masque de calque pour masquer des parties du portrait. Changez la couleur de premier plan en noir et continuez à ajouter des pièces de démarrage.
Utilisez différents pinceaux, changez leur taille et faites-les pivoter pour créer un effet comme le mien.
Étape 5 : Ajout de texture et d'éclairage
C'est ça! Cet effet semble très compliqué, mais il est en réalité assez simple. Il existe un nombre illimité de façons de l'utiliser pour obtenir différentes images. Allez-y et créez !
Dans ce tutoriel, je vais vous montrer comment créer un portrait abstrait d'une fille en utilisant un effet de fondu. Vous apprendrez des techniques pour créer un effet de fondu, ainsi que comment créer des effets d'éclairage époustouflants et leur appliquer une correction des couleurs. Vous découvrirez des techniques intéressantes qui vous aideront à créer un chef-d'œuvre artistique dans Photoshop.
Étapes de la leçon
Dans ce tutoriel, nous allons créer une scène abstraite d'une fille en appliquant un effet de fondu sur son visage et son corps. Nous appliquerons des techniques de base de manipulation de photos. Nous travaillerons avec des chemins, des pinceaux, appliquerons des filtres et des textures. Cette leçon a été réalisée dans Adobe Photoshop CS3. N'oubliez pas une tasse de café. Es-tu prêt..?
Résultat final :
Étape 1
Alors, ouvrez d’abord l’image du modèle original dans Photoshop. Sélectionnez un outil Baguette magique(outil baguette magique (W)), cet outil se trouve dans la barre d'outils à gauche. Dans les paramètres de cet outil, définissez Tolérance(tolérance) à 32.
Cliquez sur le fond blanc de l'image du modèle pour la sélectionner. Une ligne pointillée autour de la zone de fond blanc indiquera que la sélection est active.
Réalisons maintenant l'inversion, pour cela appuyez sur les touches (Shift+Ctrl+I). Ensuite, appuyez sur les touches (Ctrl+J) pour dupliquer l'image du modèle sur un nouveau calque. Désactivez la visibilité du calque du modèle d'origine en cliquant sur l'œil à côté de la vignette du calque.
Étape 2
Ensuite, nous modifierons le teint du modèle à l’aide des calques de réglage. Au début, étant sur couche 1(calque 1), calque avec l'image modèle sélectionnée, c'est parti Calque - Nouveau calque de réglage - Luminosité / Contraste(calque > nouveaux calques de réglage > luminosité/contraste). Définissez les paramètres suivants pour ce calque de réglage, qui sont affichés dans la capture d'écran ci-dessous :
Ajoutez deux calques de réglage supplémentaires : Courbes(courbes) et Correction sélective des couleurs(couleur sélective).
Après avoir ajouté trois calques de réglage, l'image du modèle devrait ressembler à la capture d'écran ci-dessous. Sélectionnez le calque de modèle et trois calques de réglage, puis appuyez sur Ctrl+E pour les fusionner en un seul calque. Nommez ce calque, par exemple « Fille ».
Étape 3
Créons maintenant un nouveau document de travail avec lequel nous travaillerons. Appuyez sur les touches (Ctrl+N) pour créer un nouveau document. Définissez les paramètres comme indiqué dans la capture d'écran ci-dessous :
Ensuite, ajoutez une image du modèle à notre document de travail. Convertissez le calque avec le modèle en un objet intelligent, pour cela nous allons Calque - Objet intelligent - Convertir en objet intelligent(calque> objets intelligents> convertir en objet intelligent). Activer l'outil Gratuittransformation(outil de transformation gratuit (Ctrl+T)). Réduisez l’échelle de l’image du modèle pour l’adapter à la zone de travail. Dans la capture d'écran ci-dessous, vous pouvez voir l'emplacement et l'échelle de l'image du modèle :
Étape 4
Ensuite, nous allons créer une texture que nous allons aligner sur le calque du modèle pour créer un effet de fondu. Nous allons simplement créer de nombreuses lignes à partir de petits points qui recréeront la texture. Pour ce faire, nous utiliserons l'outil Plume(outil Plume (P)) pour créer des lignes arbitraires et tracer avec l'outil Brosse(pinceau (B)). Alors commençons par configurer notre pinceau. Sélectionnez un outil Brosse(outil pinceau (B)), utilisez une brosse ronde et dure. Définir les paramètres du pinceau dans le panneau Brosse(pinceau (F5), illustrés dans la capture d'écran ci-dessous :
Créez un nouveau calque (Maj+Ctrl+N). Sélectionnez un outil Plume(outil plume (P)). Dessinez des contours aléatoires. Dans la capture d'écran ci-dessous, vous pouvez voir un exemple de contours dessinés :
Sur un nouveau calque, tracez le tracé à l'aide de l'outil Trait, sélectionnez un pinceau, la couleur du pinceau est noire.
Dupliquez le calque de trait autant de fois que nécessaire pour créer un motif complexe de lignes de contour. Variez la taille du pinceau pour obtenir la texture souhaitée. Sélectionnez tous les calques pour les fusionner en un seul calque (Ctrl+E). Nommez le calque fusionné, dites « Texture ». Dans la capture d'écran ci-dessous, vous pouvez voir un exemple de texture pouvant être créée :
Dans la capture d'écran ci-dessous, vous pouvez voir le placement de la texture après avoir placé le calque de texture au-dessus du calque de modèle.
Étape 5
Avant de créer l'effet de fondu, créez un nouveau calque (Maj+Ctrl+N) sous le calque de modèle et le calque de texture. Remplissez ce calque de noir (Maj+F5). Nommez ce calque, par exemple « Noir ». Ensuite, allons-y Filtre - Bruit - Ajouter du bruit(filtre > bruit > ajouter du bruit) pour ajouter du bruit au calque.
Donc, le résultat à ce stade de la leçon, lorsque le calque de texture est placé au-dessus du calque de modèle.
Étape 6
Nous pouvons maintenant facilement appliquer un effet de fondu à l'image du modèle. Pour ce faire, déplacez le calque du modèle vers le haut, en le plaçant au-dessus du calque de texture. Après avoir déplacé le calque du modèle vers le haut, transformez ce calque en masque d'écrêtage (Ctrl+Alt+G). C'est très simple. En tenant compte de notre texture, le résultat devrait ressembler à la capture d'écran ci-dessous :
Étape 7
Nous allons maintenant ajouter de la couleur à l'image du modèle. Créez un nouveau calque (Maj+Ctrl+N) comme masque d'écrêtage. Changez le mode de fusion de ce calque en Chroma(couleur)
Sélectionnez une brosse ronde douce rigidité(dureté) 0% et opacité(opacité) environ 10-15%. Sur un nouveau calque, peignez une couleur douce autour des yeux et du cou du modèle, en utilisant la teinte de votre choix. J'ai utilisé la couleur turquoise dans ce tutoriel. Dans la capture d'écran ci-dessous, vous pouvez voir le résultat lors de l'utilisation du mode Normale(normale), Opacité(opacité) 100%.
Nous pouvons dupliquer le calque de teinte de couleur et jouer avec l'opacité du calque pour obtenir le résultat souhaité. Le résultat est dans la capture d'écran ci-dessous.
Étape 8
Ensuite, nous devons ajouter un ton rouge aux lèvres. Pour ce faire, créez un nouveau calque en tant que masque d'écrêtage au-dessus du calque de couleur. Changez le mode de fusion de ce calque en Éclaircir la base(esquive de couleur). Peignez de l'orange sur les lèvres.
Étape 9
Nous allons maintenant flouter des fragments individuels de l'image du modèle. Accédez au calque modèle et ensuite c'est parti Filtre - Flou - Flou gaussien(filtre > flou > flou gaussien). Installer rayon(rayon) flou 4,9 px.
Passez au masque filtrant pour qu'il soit actif et, à l'aide d'un pinceau noir doux, masquez l'effet filtrant sur les zones du visage et du corps surlignées en rouge.
Le résultat est dans la capture d'écran ci-dessous. Sélectionnez tous les calques liés au modèle, puis appuyez sur Ctrl+G pour les regrouper en un seul groupe. Nommez le nouveau groupe, dites « Fille ».
Étape 10
Créez un nouveau calque (Maj+Ctrl+N) sous le calque avec le groupe « Fille ». Sélectionnez un outil Plume(outil plume (P)). Créez un contour comme indiqué dans la capture d'écran ci-dessous. Définissez les mêmes paramètres que ceux utilisés précédemment à l'étape 4.
Sur un nouveau calque, tracez un trait autour du chemin. Couleur de trait #0afbfe. Vous pouvez réduire opacité(Opacité) si vous pensez que le trait en pointillé est trop saturé.
Étape 11
Créez un autre nouveau calque. Dessinez également des lignes de contour comme indiqué dans la capture d'écran ci-dessous :
Ensuite, tracez les contours. Pour une variété de traits, dans la fenêtre du contour du trait, nous pouvons cocher la case Simuler la pression(Simuler la pression) pour obtenir une ligne de points plus fine. Nous pouvons essayer d'appliquer différentes nuances de couleurs que nous aimons pour obtenir le résultat souhaité.
Résultat avec contour rouge.
Étape 12
De la même manière, ajoutez davantage de lignes de contour avec des points au niveau des yeux du modèle.
Le résultat jusqu'à présent dans la leçon.
Étape 13
Dans cette étape, nous ajouterons des reflets à l'image du modèle. Créez un nouveau calque (Maj+Ctrl+N) au-dessus de tous les autres calques. Remplissez ce calque (Shif + F5) de noir. Changez le mode de fusion de ce calque en Éclaircir la base(esquive de couleur), puis nommez ce calque, par exemple « Faits saillants ». Sélectionnez une brosse douce opacité(opacité), environ 4-5%. Sur un nouveau calque, peignez soigneusement avec un pinceau blanc les épaules, le cou et d'autres zones du modèle si nécessaire. Résultat du traitement du pinceau en mode de fusion Normale(normale).
Résultat avec le mode de fusion Éclaircir la base(esquive de couleur).
Étape 14
Pour décorer la scène, nous pouvons ajouter des reflets autour du modèle. Créez un nouveau calque au-dessus du calque « Faits saillants ». Remplissez ce calque de noir, changez le mode de fusion en Éclaircir la base(esquive de couleur). Nommez ce calque, par exemple « Lumière ». En utilisant la même technique décrite à l'étape 13, ajoutez des reflets autour de la tête, ainsi que d'autres zones de l'image si nécessaire, en utilisant une combinaison de couleurs de pinceau blanc et jaune.
Étape 15
Changez le mode de fusion de ce calque de remplissage en Exception(exclusion), et également réduire Opacité(opacité) du calque à environ 47-50 %.
Définir le mode de fusion pour ce calque de réglage Filtre photo(filtre photo) en mode Normale(normal), opacité du calque 60%.
Enfin, sélectionnez tous les calques visibles, puis appuyez sur les touches (Maj+Ctrl+Alt+A) pour les fusionner en un seul calque. Nommez le nouveau calque fusionné, dites « Final ». Ensuite, allons-y Filtre - Autre - Contraste des couleurs(filtre > autres > passe-haut)
Changez le mode de fusion du calque fusionné en Chevaucher(superposition), opacité du calque 100 %.
Et nous avons terminé la leçon !
J'espère que vous avez apprécié cette leçon et appris quelque chose de nouveau sur vous-même. Merci d'avoir visité la leçon, j'espère que vous passerez un bon moment à terminer cette leçon !